IVA no incluido

El pan nuestro de cada día I, 2005

Óleo sobre lienzo

Alejandro Ortíz

Medidas:  W 152 x H 213

 

PREMIOS
2005 Award Fernando Botero, Honorable Mention, Bogotá, Colombia
2000 Bronx Museum, Artists in The Marketplace, Bronx , NY, USA
1999 Award from Ministerio de Cultura y Turismo to create a mural in the city, Bogotá, Colombia
1998 First Prize, XXXVII Salón Nacional de Artistas, Bogotá, Colombia
1997 Salón Regional de Artistas, Mention, Bogotá, Colombia

EXPOSICIONES INDIVIDUALES
2008 Plexus, Galerie b-146, Zürich, Switzerland
2006 Plexus, Galería El Museo, Bogotá, Colombia
2003 Hedi Khorsand Gallery, L.A. Art International, Los Angeles, CA. USA
2003 Hedi Khorsand Gallery, L.A. California. USA

 

IVA no incluido

 

Andy Dandy (TEN), 2007

Tintas pigmentadas sobre papel de archivo fotográfico. Edición 5/5.

 

En estos dípticos del tándem The Hilton Brothers se combinan los retratos “Altered Image” realizados en una colaboraciön entre Makos y Andy Warhol y las flores de la serie “Bloom” de Solberg. Makos creó esta serie de retratos en los que utilizaba elementos cotidianos para crear y alterar la individualidad. Solberg utilizó la luz y el aislamiento para rendir homenaje a la belleza real de las flores, no su belleza superficial. Como homenaje a la pasión por las flores de Warhol ambos deciden crear estos dípticos tan bellos, pero a su vez profundos, un canto conceptual dedicado a la belleza sincera.

 

The Hilton Brothers (Christopher Makos y Paul Solberg)Pareja de fotógrafos neoyorquinos cuyo trabajo ha sido exhibido internacionalmente en museos y galerías, incluyendo La Casa Encendida (Madrid), Galerie Catherine Houard (París), Galerie Sho Contemporary Art (Tokio), Christopher Henry Gallery (Nueva York), Karl Hutter Fine Art (LA), y NSU Art Museum.

Medidas:  W 165 x H 110 cm

IVA no incluido

 

Andy Dandy (FOUR), 2007. The Hilton Brothers (Christopher Makos y Paul Solberg)

Tintas pigmentadas sobre papel de archivo fotográfico. Edición 5/5.

En estos diptlcos del tándem The Hilton Brothers se combinan los retratos “Altered Image” realizados en una colaboraciön entre Makos y Andy Warhol y las flores de la serie “Bloom” de Solberg. Makos creó esta serie de retratos en los que utilizaba elementos cotidianos para crear y alterar la individualidad. Solberg utilizó la luz y el aislamiento para rendir homenaje a la belleza real de las flores, no su belleza superficial. Como homenaje a la pasión por las flores de Warhol ambos deciden crear estos dípticos tan bellos, pero a su vez profundos, un canto conceptual dedicado a la belleza sincera.

 

The Hilton Brothers (Christopher Makos y Paul Solberg)Estos narradores visuales exploran la libertad y los parámetros de la colaboración, un lenguaje compartido que se habla a través de sus imágenes y collage. Sus trabajos más notables se encuentran en la serie, «Speed» (2006), «Andy Dandy» (2007), y «Narrative» (2009) y «Conscience» (2007). Comparten numerosas publicaciones, como Mistaken Identity (2009) y su obra, Tyrants + Lederhosen (2011). Su trabajo ha sido exhibido internacionalmente en museos y galerías, incluyendo La Casa Encendida (Madrid), Galerie Catherine Houard (París), Galerie Sho Contemporary Art (Tokio), Christopher Henry Gallery (Nueva York), Karl Hutter Fine Art (LA), y NSU Art Museum, y más recientemente el Museo Macedonio de Arte Contemporáneo.

Medidas: W 165 x H 110  cm

IVA no incluido

Cobalto, 2017

Óleo sobre lona.

Rubén Rodrigo Silguero

 

Medidas: W 162 x H 220

 

Formación

1999-2004 BA Bellas Artes. Universidad de Salamanca

2016           Beca de Artes Plásticas Propuestas VEGAP

2005-2006 Beca de la Fundación Antonio Gala para jóvenes creadores

 

Exposiciones Individuales

2019      La Luz y la Furia. Galería Fernando Pradilla. Madrid

2018      La Luz y la Furia. DA2 Domus Artium 2002. Salamanca

2017      Sumi_RGB. Castellana 22. Madrid

(Recordar) Sacar la Basura. Solo Project. Casa de Citas. HybridFest. Madrid

2016      Piel de Hiena. La Fábrica. Madrid

2014      Sombras de Ceniza. Espacio Valverde Gallery. Madrid

 

Exposiciones Colectivas (Selección)

2018     Marte. Feria Internacional de Arte de Castellón. Solo Project. Espacio Nuca

Nepotismo Ilustrado II. La Carolina Jaén.

2017     Otra Puta Bienal Más. Galería 6+1. Madrid

Fin de Temporada. Galería 3°—4. Madrid

#StickersArt. PAC. Estampa 2017. Madrid

Propuestas VEGAP2016. Circulo de Bellas Artes. Madrid

Vista Salón I. Madrid

Diálogos. Artbanchel. Nave6. Madrid

Posmandanga. Barbecho. Madrid.

2016     100°—100. The Makers. Madrid

II FAC (Feria de Arte en mi Casa). Cobeña. Madrid

Heimlich. MicroResidencias en la cama. Room AF#5. Madrid

2015     Nepotismo Ilustrado. Galería Fernando Pradilla. Madrid

Iberencontros 2015. Castelo Branco. Portugal

 

Premios, Talleres y Becas

2016           Propuestas VEGAP 2016. Artes Plásticas. Madrid

2005-2006 Fundación Antonio Gala. Beca para Jóvenes Artistas. Córdoba

2004           Curso de Verano de San Lorenzo de El Escorial con Juan Genovés. Madrid

Taller Pablo Ruiz Picasso con Soledad Sevilla en el Museo de Arte Contemporáneo de Unión Fenosa. MACUF. La Coruña

2003           Primer Premio. VII Edición del Premio San Marcos de la Universidad de Bellas

Artes de Salamanca. Palacio de la Salina.

2002           Arte, cuerpo y tecnología. Con Orlán y David Nebreda. Salamanca.

IVA no incluido

Juan Francisco Casas

Thenordicweightlessnessnight#2, 2017

Bolígrafo BIC de colores sobre papel.

 

Juan Francisco Casas Ruiz 1976: Ha realizado numerosas exposiciones individuales destacando (He)artbroken (Jonathan Levine Gallery), Saturdaynigthbathroom, Bare(ly)there y Foreignaffairs, (A)utopic (Galería Fernando Pradilla, Madrid, 2005, 2008, 2010, 2014 respectivamente), After(h)ours (Galería El Museo, Bogotá, Colombia 2011), MyLovingNation (Galería Ferrán Cano, Palma de Mallorca, 2007), Sacrebleu! (Galería Sandunga, Granada, 2006), Mis(s)behave (Sala Rivadavia, Diputación provincial de Cádiz, 2006) y participado en las ferias de arte más importante del mundo, así como en casi todas las ediciones de ARCO desde el año 2002. Exposiciones en Nueva York, Miami o Chicago a Seúl, Singapur, Londres, París, México o Basilea, entre muchas otras, han contado con su obra y ha recibido numerosos premios y becas nacionales e internacionales.

W 148 X D 5 X H 208

IVA no incluido

GAA21 – 12 / BS 0147

Técnica mixta sobre lienzo, Bosco Sodi 2012.

Bosco Sodi (n. 1970, Ciudad de México) es conocido por sus pinturas a gran escala, ricamente texturizadas y de colores vivos. Sodi ha descubierto un poder emotivo dentro de la crudeza esencial de los materiales que utiliza para ejecutar sus pinturas. Centrándose en la exploración material, el gesto creativo y la conexión espiritual entre el artista y su obra, Sodi busca trascender las barreras conceptuales. Sodi deja muchas de sus pinturas sin título, con la intención de eliminar cualquier predisposición o conexión más allá de la existencia inmediata de la obra. La obra en sí se convierte en un recuerdo y una reliquia simbólica de la conversación del artista con la materia prima que llevó a la pintura a la creación. Las influencias de Sodi van desde l’art informel, desde artistas como Antoni Tàpies y Jean Dubuffet, hasta maestros coloristas como Willem de Kooning, Mark Rothko,

Medidas: W 186 x H 186 cm

IVA no incluido

 

Fotografía de Paula Anta “Busano 02” de la serie “Paraísos Artificiales”. 2008.

Paraísos Artificiales pretende ser un paraíso propio y muy concreto, en un lugar muy determinado. El paraíso es un “cercado” creado por los hombres. Es lugar de perfección en la naturaleza, de conciliación con nuestro origen, de serenidad hacia lo cercano. Los paraísos están ahí, nos esperan, nos los ganamos en ocasiones, nos expulsan de ellos para recriminarnos (a nosotros mismos) con su existencia

Paraísos Artificiales está realizado en las tres ciudades más importantes de Corea del sur: Seúl, Busán y Daegu.

Paula Anta Nació en Madrid en 1977, se licenció y doctoró en Bellas Artes con mención internacional. ​Su formación académica e investigadora la ha desarrollado, además de en España, en Frankfurt (beca creación artística Atelierfrankfurt) y Colonia (Alemania), Colegio de España en París (Francia)3 y Real Academia de España en Roma (Italia). También ha realizado proyectos en Senegal, Líbano, Siria, Egipto, Turquía, Marruecos, así como en India y Corea del Sur o en países latinoamericanos como Perú (Proyecto fotográfico Pillpa 10​), Ecuador, Brasil y Venezuela, de donde han surgido algunas de sus series.

Medidas:  W 158 cm x H 188 com

IVA no incluido

 

Fotografía de Paula Anta «Busano 03» de la serie «Paraísos Artificiales». 2008.

Paraísos Artificiales pretende ser un paraíso propio y muy concreto, en un lugar muy determinado. El paraíso es un «cercado» creado por los hombres. Es lugar de perfección en la naturaleza, de conciliación con nuestro origen, de serenidad hacia lo cercano. Los paraísos están ahí, nos esperan, nos los ganamos en ocasiones, nos expulsan de ellos para recriminarnos (a nosotros mismos) con su existencia

Paraísos Artificiales está realizado en las tres ciudades más importantes de Corea del sur: Seúl, Busán y Daegu.

Paula Anta Nació en Madrid en 1977, se licenció y doctoró en Bellas Artes con mención internacional. ​Su formación académica e investigadora la ha desarrollado, además de en España, en Frankfurt (beca creación artística Atelierfrankfurt) y Colonia (Alemania), Colegio de España en París (Francia)3 y Real Academia de España en Roma (Italia). También ha realizado proyectos en Senegal, Líbano, Siria, Egipto, Turquía, Marruecos, así como en India y Corea del Sur o en países latinoamericanos como Perú (Proyecto fotográfico Pillpa 10​), Ecuador, Brasil y Venezuela, de donde han surgido algunas de sus series.

Medidas: W 158 x H 188 cm

IVA no incluido

 

Fotografía de Paula Anta “Seul 01” de la serie “Paraísos Artificiales”. 2008.

Paraísos Artificiales pretende ser un paraíso propio y muy concreto, en un lugar muy determinado. El paraíso es un «cercado» creado por los hombres. Es lugar de perfección en la naturaleza, de conciliación con nuestro origen, de serenidad hacia lo cercano. Los paraísos están ahí, nos esperan, nos los ganamos en ocasiones, nos expulsan de ellos para recriminarnos (a nosotros mismos) con su existencia

Paraísos Artificiales está realizado en las tres ciudades más importantes de Corea del sur: Seúl, Busán y Daegu.

 

Paula Anta Nació en Madrid en 1977, se licenció y doctoró en Bellas Artes con mención internacional. ​Su formación académica e investigadora la ha desarrollado, además de en España, en Frankfurt (beca creación artística Atelierfrankfurt) y Colonia (Alemania), Colegio de España en París (Francia)3 y Real Academia de España en Roma (Italia). También ha realizado proyectos en Senegal, Líbano, Siria, Egipto, Turquía, Marruecos, así como en India y Corea del Sur o en países latinoamericanos como Perú (Proyecto fotográfico Pillpa 10​), Ecuador, Brasil y Venezuela, de donde han surgido algunas de sus series.

Medidas:  W 158 x H 188 cm

 

IVA no incluido

Fotografía en color cian de la serie, “Flores de color”, técnica con impresión sobre papel fotográfico.

Mónica Sánchez-Robles es artista multidisciplinar que actualmente residente en Madrid, aunque ha vivido años en Francia e Italia. Es licenciada en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid, en BBAA de Granada, realiza los estudios de doctorado, continúa su formación de fotografía digital en la Escuela de Fotografía EFTI, de Madrid, y realizó su posgrado en Parsons Paris School of Design en París. Ha expuesto de manera individual en galerías de España y Francia. Además, ha expuesto de manera colectiva en diversas exposiciones y ferias de Francia, España, Miami, Londres y Suiza.
Medidas: W 120 x H 160  cm

IVA no incluido

Fotografía en color magenta de la serie, “Flores de color”, técnica con impresión sobre papel fotográfico.

Mónica Sánchez-Robles es artista multidisciplinar que actualmente residente en Madrid, aunque ha vivido años en Francia e Italia. Es licenciada en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid, en BBAA de Granada, realiza los estudios de doctorado, continúa su formación de fotografía digital en la Escuela de Fotografía EFTI, de Madrid, y realizó su posgrado en Parsons Paris School of Design en París. Ha expuesto de manera individual en galerías de España y Francia. Además, ha expuesto de manera colectiva en diversas exposiciones y ferias de Francia, España, Miami, Londres y Suiza.
Medidas: W 120 x H 160   cm

IVA no incluido

Souvenir 49 E. Ed. 3/5 ,2013
Impresión digital y resina sobre dibond
(59 x 523⁄4″)

César Delgado

Medidas: W 110 x H 137 cm

 

El trabajo de César Delgado podría ser comparado con un laboratorio científico en el que un mundo de criaturas diminutas es observado al microscopio. Formas serpenteantes, retorcidas se entrelazan en la tela delimitando sendas con huellas de color líquido coagulado. Como anguilas incubadas en un tanque de agua, los signos de Delgado vibran con vida autónoma, independiente. Los pardos terrosos se mezclan con el blanco puro y se arrastran por el espacio del cuadro en retorcidas circunvoluciones barrocas. Repentinamente, bandas horizontales delimitan y cierran la escena recordando, que el mundo científico es aquel del artista donde una pincelada precisa, físicamente definida nos retrotrae al mundo de las frías, impersonales y punzantes pinceladas de Lichtenstein.

Es la pintura por la pintura, la abstracción por la abstracción, la obra por la obra. No hay pathos. Todo existe y puede por tanto ser examinado, estudiado como en una mesa de anatomía. Delgado dispone las piezas de la pintura para la autopsia de la historia del arte, actúa como un paleontólogo que rompiera las piedras para que afloren a la luz conchas fósiles del periodo jurásico. Córneas espirales, huesos astillados, segmentos de pliegos foliáceos vibran en estos cuadros deslizados de su propia obra en los que un vago recuerdo de Kandinsky se funde con una óptica problemática pop.

 

EXPOSICIONES INDIVIDUALES

2012    «Informatismo», Centro de Arte Tomás y Valiente, Fuenlabrada
             «Informatismo«, Espacio2. Galería El Museo. Bogotá, Colombia

2010 . «Informatismo», Galería Fernando Pradilla, Madrid.

2009 . Art Madrid Project Room

2007 . “Derivados de Pintura”, Galería Fernando Pradilla, Madrid.

2005 . “Taxidermias”, Galería Fernando Pradilla , Madrid, .

2003 . Dahl Gallery of Contemporary Art, Lucerna.

2002 . Galería Les filles du Calvaire, París.

1999 . Galería Ars Vivendi, Munich.

1998 . Galería Valle Quintana, Madrid.

1997 . Galería Barrio y Valle Quintana, Madrid.

1994 . Galería MW, Madrid.

1993 . Sala Pradillo, Madrid.

1988 . Ateneo de Madrid.

IVA no  incluido

Bucles (17), 2001

Esmalte y barniz sobre tela

Felicidad Moreno

 

Medidas: W 175 x H 265 cm

 

Nacida en Toledo, en el año 1986 obtiene uno de los premios de la II Muestra de Arte Joven, organizada por el Instituto de la Juventud en Madrid. Desde entonces ha participado en importantes exposiciones colectivas.

Su obra figura, entre otros, en diferentes museos y colecciones, como MUSAC de León, Museo Patio Herreriano de Valladolid, Colección de Arte Contemporáneo LA CAIXA de Barcelona, Colección Banco de España de Madrid, Colección Caja de Burgos, CAB y Colección ARTIUM de Vitoria.

 

Iris 4, 2006

Litografía

José Manuel Broto (Zaragoza,1949)

Medidas: W 96,5 x H 127 x 7 cm

 

Nace en Zaragoza en 1949. Realiza estudios en la Escuela de Artes y Oficios de Zaragoza. En 1972 se va a vivir a Barcelona, en 1985 traslada su residencia a París. Tras diez años en la capital francesa en los que coincide con otros artistas españoles como Miquel Barceló, Miguel Ángel Campano, José María Siciliaes se traslada a Mallorca.

Ha sido premiado con el Premio Nacional de Artes Plásticas de España en 1995.​ En 1997 recibe el Premio ARCO de la Asociación de Críticos, en 2003 el Premio Aragón Goya de Grabado ​ y en 2018 obtiene el premio Xam de Artes Plásticas en homenaje a Pedro Quetglas Ferrer «Xam».

 

Su obra se puede encontrar en diversos museos y colecciones como:

Museo de Arte Abstracto Español, Cuenca

FRAC (Fond Regionaux D’Art Contemporain), Midi-Pyrénées. Francia

The Chase Manhattan Bank, Nueva York, EE.UU

Fundación Juan March, Madrid

Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid

The Metropolitan Museum of Art, Nueva York, EE.UU

FNAC (Fond National d’Art Contemporain), París, Francia

The Kampo Collection, Tokio, Japón

Fundación A. Tàpies, Barcelona

The DOVE Collection, Zúrich, Suiza

Ateneum Museum, Helsinki, Finlandia

Fundación Peter Stuyvesant, Ámsterdam, Holanda

Fundación Maeght, Francia

Colección Arte Contemporáneo, Fundación ”la Caixa”, Barcelona

Colección Preussag, Hanover, Alemania

IVAM, Valencia

Colección Iberdrola

 

 

IVA no incluido

Vivienda para un nuevo hombre (Immeubles-Villa. Le Corbusier). Sin localización específica, no construido. 1922-29
Impresión digital inyección de tintas pigmentadas minerales, papel algodón
Hahnemühle Photo rag, marco y cristal. Edición 5+2P.A

Emilio Pemjean : Nace en 1971 en Chile. Arquitecto por la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid.
En su trabajo como Arquitecto ha sido premiado en numerosos concursos de arquitectura, su obra expuesta, publicada en libros y revistas y recibido distintos premios como: Toulouse Photo Contest,“AL Betrayal” EFTI Madrid, “Concurso de Fotografía FNAC” Madrid, etc. Llevó a cabo talleres con artistas célebres como Chema Madoz, Ciuco Gutiérrez, Manuel Rufo, Jesús Micó, etc.

Medidas: W 140 x H 140 cm

IVA no incluido

 

Vivienda para un nuevo hombre (Immeubles-Villa. Le Corbusier). Sin localización específica, no construido. 1922-29

Impresión digital inyección de tintas pigmentadas minerales, papel algodón Hahnemühle Photo rag, marco y cristal. Edición 5+2P.A.

Emilio Pemjean : Nace en 1971 en Chile. Arquitecto por la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid.
En su trabajo como Arquitecto ha sido premiado en numerosos concursos de arquitectura, su obra expuesta, publicada en libros y revistas y recibido distintos premios como: Toulouse Photo Contest,“AL Betrayal” EFTI Madrid, “Concurso de Fotografía FNAC” Madrid, etc. Llevó a cabo talleres con artistas célebres como Chema Madoz, Ciuco Gutiérrez, Manuel Rufo, Jesús Micó, etc.

Medidas: W 140 x H 140 cm

IVA no incluido

S/T Junio 96
Óleo

Roberto Ruiz Ortega, heredero del expresionismo norteamericano, con amplias pinceladas verticales crea campos cromáticos que se superponen por capas constructivistas con un lenguaje propio basado en su universo plástico personal.
Ha sido galardonado con la adquisición de su obra para la Generación 2002 de Premios Caja Madrid. Ha participado en multitud de exposiciones individuales y su obra se encuentra presente en: Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Centro Gallego de Arte Contemporáneo, Fundación Coca Cola, Museo Artium de Vitoria, Colección Caja Madrid, Colección Fundacion BBK, Diputación Foral de Vizcaya, Colección Banco Central Hispano, o el Banco Internacional de Inversiones de Luxemburgo entre otras.

Medidas: W 200 x D 200 cm

IVA no incluido

Resina sobre madera con neón

Fernando de Ana

Si existe un gen del arte, Fernando de Ana (Talavera de la Reina, 1979) y licenciado en Bellas Artes, lo lleva consigo. Desde que nació ha estado rodeado de óleo y lápices, espátulas y aguarrás. Pertenece a la tercera generación de una saga de artistas que comenzó a principios del siglo XIX con su tío abuelo, José Pérez, pintor y primer director del Museo de Arte de Cádiz, y siguió con su padre, Juan Carlos Jiménez, también pintor y Doctor en Bellas Artes.

Si sus antepasados se deleitaban con la luz y los bodegones, Fernando de Ana ha querido explorar también otros lenguajes más contemporáneos, trabajando primero como ilustrador –ha recibido varios premios internacionales- y creador de dibujos animados, para más tarde empaparse del diseño y la vanguardia holandesa, país pionero en este campo, donde compaginaba su labor artística con la de director de arte durante más de una década. Su trabajo ha estado expuesto en Praga, Bolonia, Ámsterdam o Londres, entre otras ciudades y ha sido seleccionado y galardonado en diferentes certámenes de arte.

De esa trasversalidad de influencias y de esa simbiosis de referencias clásicas y vanguardistas, llega ahora su madurez como artista. Alejado de su zona de confort, el artista apuesta por un lenguaje propio en el que las emociones priman sobre lo metálico. Su modo de estar en el mundo palpita en su obra: las relaciones humanas marcadas por el sexo, la soledad y la melancolía, la ansiedad como catalizador del arte, las obsesiones girando en espiral, la repetición de patrones, el morbo agitado con la ternura infinita, la Inocencia frustrada que aun así respira, lo conmovedor como motor. La obra de Fernando de Ana responde a un proceso creativo maduro, construido a lo largo de varias décadas explorando diferentes formatos, donde el material, el sentido y el sentir van en la misma dirección. ‘Forbbiden carnal’, su elegante serie en resina y neón, se ha convertido ya en un exponente al combinar sin complejos un material aparentemente frío y de límites geométricos con la calidez y la sensualidad de la luz, de modo que ha conseguido que ambos elementos intercambien naturalezas.

El autor se desnuda a través de esta minuciosa técnica y nos habla de su mundo interior, sus contradicciones y sus miedos, todo ello atravesado por Eros y Thanatos, el placer y el dolor, la contradicción como génesis misma de la vida. Cada obra de ‘Forbbiden Carnal’ muestra un aspecto de las relaciones sentimentales, un instante en la relación con el otro, siempre compleja y necesaria: la flecha del primer contacto visual, la vulnerabilidad propia, la seducción como tótem y motor, la mentira y lo decadente, la caricia como antídoto a la soledad. Nada mejor que la resina, el color y la simbiosis de la geometría con el neón para expresar todo este universo sensitivo, que no solo busca conectar con lo bello y lo terrible del espectador, sino seducirle a él también.

Medidas: W 240 x D 150 cm

IVA no incluido

«Nos» , serie nudos, 2019.

Fotografía sobre pan de oro.

Paula Anta

 

Paula Anta Nació en Madrid en 1977, se licenció y doctoró en Bellas Artes con mención internacional. ​Su formación académica e investigadora la ha desarrollado, además de en España, en Frankfurt (beca creación artística Atelierfrankfurt) y Colonia (Alemania), Colegio de España en París (Francia)3 y Real Academia de España en Roma (Italia). También ha realizado proyectos en Senegal, Líbano, Siria, Egipto, Turquía, Marruecos, así como en India y Corea del Sur o en países latinoamericanos como Perú (Proyecto fotográfico Pillpa 10​), Ecuador, Brasil y Venezuela, de donde han surgido algunas de sus series.

 

Nudos: Topologías de la memoria

El mundo ha devenido caos. La naturaleza que lo representa continúa siendo una imagen del mundo, pero accede a una unidad más elevada. El caos, cuando lo escenificamos en nuestra imaginación, cuando lo rescatamos de nuestra memoria anterior, representa una serie de formas muy diversas, desde su extensión superficial ramificada en todos los sentidos hasta sus concreciones en condensaciones o cúmulos (bulbos, tubérculos, marañas). Una aglomeración de líneas que pueden aparecer embrolladas entre sí o suspendidas entre diversos puntos en un espacio. Un enredo de líneas que no tienen cuerpo, color, textura ni ninguna otra cualidad tangible: su naturaleza es abstracta, conceptual, racional. Estas líneas no dejan de percibirse como un movimiento y un desarrollo. Un movimiento que en apariencia no se siente, no se sabe a dónde va, no se percibe a qué ley responde. Parece un movimiento que se guía por una especie de libertad de uniones e intersecciones, por una transformación invisible y continua.

Pero los cúmulos vegetales se organizan siguiendo un orden que obedece a leyes universales. Las marañas de ramificaciones no están olvidadas como partes de una ruina. Los rizomas no se extienden únicamente por una condición de supervivencia, de subsistir en un terreno. Los nudos que se derivan por estas acumulaciones de ramas no se instalan en una superficie de forma caótica. Toda esta vorágine vegetal corresponde a un orden universal, aunque su apariencia sea confusa y nos ocasione desconcierto.

Medidas: W 126 x D 5 x  H 186

IVA no incluido

 

(Pollença 1964)

«Sin título nº 61». 1999

Fotografía positivada sobre papel adherido a tabla

Pieza única


Susy Gómez
 nació en Pollença en 1964. Estudió Bellas Artes en Barcelona. Su exposición en la Fundació Miró de Barcelona en 1993, supuso el inicio de una trayectoria ascendente y muy destacada dentro del escenario generacional al que pertenecía. En 1995 se integró en el Salón de los 16 y su obra pudo verse en la Whitechapel de Londres, a lo que siguieron numerosas exposiciones dentro y fuera de España. En 1999-2000 realiza la primera exposición en el IVAM de Valencia, comisariada por Enrique Juncosa. La exposición se titulaba “Algunas cosas que llamaba mías” y en ella se percibía su clara adscripción a los lenguajes internacionales, postminimalistas y post conceptuales, exploradores y analíticos del proceso creador y su plasticidad a través de la relación entre obra y espacio.

Medidas:  W 130 x H 240 cm