IVA no incluido

Móvil mod. Baile diseñado por el artista Rafa Macarrón. Compuesto por piezas de madera pintadas con gouache, latón y pan de oro. Edición limitada de 25 unidades. Firmado por Rafa Macarrón.

Medidas: 200 x 200 cm

IVA no incluido

«Sin título»

Resina sobre madera

Fernando de Ana

Si existe un gen del arte, Fernando de Ana (Talavera de la Reina, 1979) y licenciado en Bellas Artes, lo lleva consigo. Desde que nació ha estado rodeado de óleo y lápices, espátulas y aguarrás. Pertenece a la tercera generación de una saga de artistas que comenzó a principios del siglo XIX con su tío abuelo, José Pérez, pintor y primer director del Museo de Arte de Cádiz, y siguió con su padre, Juan Carlos Jiménez, también pintor y Doctor en Bellas Artes.

Si sus antepasados se deleitaban con la luz y los bodegones, Fernando de Ana ha querido explorar también otros lenguajes más contemporáneos, trabajando primero como ilustrador –ha recibido varios premios internacionales- y creador de dibujos animados, para más tarde empaparse del diseño y la vanguardia holandesa, país pionero en este campo, donde compaginaba su labor artística con la de director de arte durante más de una década. Su trabajo ha estado expuesto en Praga, Bolonia, Ámsterdam o Londres, entre otras ciudades y ha sido seleccionado y galardonado en diferentes certámenes de arte.

De esa trasversalidad de influencias y de esa simbiosis de referencias clásicas y vanguardistas, llega ahora su madurez como artista. Alejado de su zona de confort, el artista apuesta por un lenguaje propio en el que las emociones priman sobre lo metálico. Su modo de estar en el mundo palpita en su obra: las relaciones humanas marcadas por el sexo, la soledad y la melancolía, la ansiedad como catalizador del arte, las obsesiones girando en espiral, la repetición de patrones, el morbo agitado con la ternura infinita, la Inocencia frustrada que aun así respira, lo conmovedor como motor. La obra de Fernando de Ana responde a un proceso creativo maduro, construido a lo largo de varias décadas explorando diferentes formatos, donde el material, el sentido y el sentir van en la misma dirección. ‘Forbbiden carnal’, su elegante serie en resina y neón, se ha convertido ya en un exponente al combinar sin complejos un material aparentemente frío y de límites geométricos con la calidez y la sensualidad de la luz, de modo que ha conseguido que ambos elementos intercambien naturalezas.

El autor se desnuda a través de esta minuciosa técnica y nos habla de su mundo interior, sus contradicciones y sus miedos, todo ello atravesado por Eros y Thanatos, el placer y el dolor, la contradicción como génesis misma de la vida. Cada obra de ‘Forbbiden Carnal’ muestra un aspecto de las relaciones sentimentales, un instante en la relación con el otro, siempre compleja y necesaria: la flecha del primer contacto visual, la vulnerabilidad propia, la seducción como tótem y motor, la mentira y lo decadente, la caricia como antídoto a la soledad. Nada mejor que la resina, el color y la simbiosis de la geometría con el neón para expresar todo este universo sensitivo, que no solo busca conectar con lo bello y lo terrible del espectador, sino seducirle a él también.

W 150 x D 7 x H 150

IVA no incluido

«Sin título»

Resina sobre madera

Fernando de Ana

 

Si existe un gen del arte, Fernando de Ana (Talavera de la Reina, 1979) y licenciado en Bellas Artes, lo lleva consigo. Desde que nació ha estado rodeado de óleo y lápices, espátulas y aguarrás. Pertenece a la tercera generación de una saga de artistas que comenzó a principios del siglo XIX con su tío abuelo, José Pérez, pintor y primer director del Museo de Arte de Cádiz, y siguió con su padre, Juan Carlos Jiménez, también pintor y Doctor en Bellas Artes.

Si sus antepasados se deleitaban con la luz y los bodegones, Fernando de Ana ha querido explorar también otros lenguajes más contemporáneos, trabajando primero como ilustrador –ha recibido varios premios internacionales- y creador de dibujos animados, para más tarde empaparse del diseño y la vanguardia holandesa, país pionero en este campo, donde compaginaba su labor artística con la de director de arte durante más de una década. Su trabajo ha estado expuesto en Praga, Bolonia, Ámsterdam o Londres, entre otras ciudades y ha sido seleccionado y galardonado en diferentes certámenes de arte.

De esa trasversalidad de influencias y de esa simbiosis de referencias clásicas y vanguardistas, llega ahora su madurez como artista. Alejado de su zona de confort, el artista apuesta por un lenguaje propio en el que las emociones priman sobre lo metálico. Su modo de estar en el mundo palpita en su obra: las relaciones humanas marcadas por el sexo, la soledad y la melancolía, la ansiedad como catalizador del arte, las obsesiones girando en espiral, la repetición de patrones, el morbo agitado con la ternura infinita, la Inocencia frustrada que aun así respira, lo conmovedor como motor. La obra de Fernando de Ana responde a un proceso creativo maduro, construido a lo largo de varias décadas explorando diferentes formatos, donde el material, el sentido y el sentir van en la misma dirección. ‘Forbbiden carnal’, su elegante serie en resina y neón, se ha convertido ya en un exponente al combinar sin complejos un material aparentemente frío y de límites geométricos con la calidez y la sensualidad de la luz, de modo que ha conseguido que ambos elementos intercambien naturalezas.

El autor se desnuda a través de esta minuciosa técnica y nos habla de su mundo interior, sus contradicciones y sus miedos, todo ello atravesado por Eros y Thanatos, el placer y el dolor, la contradicción como génesis misma de la vida. Cada obra de ‘Forbbiden Carnal’ muestra un aspecto de las relaciones sentimentales, un instante en la relación con el otro, siempre compleja y necesaria: la flecha del primer contacto visual, la vulnerabilidad propia, la seducción como tótem y motor, la mentira y lo decadente, la caricia como antídoto a la soledad. Nada mejor que la resina, el color y la simbiosis de la geometría con el neón para expresar todo este universo sensitivo, que no solo busca conectar con lo bello y lo terrible del espectador, sino seducirle a él también.

W 150 x D 7 x H 150

IVA no incluido

 

«Croma Key III»

Técnica: Fotografía 2/3

Julia Montilla(Barcelona 1970), es una artista contemporánea catalana. Sus obras son sobre dispositivos visuales muy variados (vídeo, escultura, fotografía, instalaciones, ediciones, libro de artista, proyectos web, etc.). Es licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona y Máster en Producciones artísticas e Investigación (UB, 2012). Ha participado en exposiciones en el PS1–MoMa (Nueva York), el Centro de Fotografía (Salamanca), La Virreina y el Espacio 13.

Medidas: W 100 x H 100 cm

IVA no incluido

Cap
2008
Técnica mixta sobre aluminio

Jason Martin: Nació en Jersey, en las Islas del Canal, en 1970 y vive y trabaja entre Londres y Portugal. Tiene una licenciatura de Orfebres, Londres (1993). Las exposiciones individuales incluyen Thaddaeus Ropac, Francia (2018); Schauwerk Sindelfingen, Sindelfingen, Alemania (2017); Museo gegenstandsfreier Kunst, Otterndorf, Alemania (2016); Colección Peggy Guggenheim, Venecia, Italia (2009);Es Baluard Museu d’Art Modern i Contemporary de Palma, Mallorca, España (2008); Kunstverein Kreis Gŭtersloh, Gutersloh, Alemania (2007); y Centro de Arte Contemporáneo de Málaga, España (2005).
Medidas: W 195 x D 195 cm

IVA no incluido

 

«PALIMPSESTO III» EMILIO PEMJEAN 2013

Localización: Monasterio de Santa Isabel, Calle Santa Isabel, Madrid, Alarife Juan de Mora. Aloja la fábrica de tapices de Santa Isabel y luego es demolido ( Velázquez, Las Hilanderas )
Impresión digital inyección de tintas de pigmentos minerales, papel algodón Hahnemühle.
Photo rag, dibond, cristal y marco.
Edición 5+2 P.A.

El proyecto hace presente un proceso de transformación temporal (asociado a una transformación en su percepción y representación) que se inicia con la construcción real del espacio, la utilización del mismo mediante la disposición intencionada del “atrezzo” necesario para la representación pictórica, su posterior desocupación y pérdida de valor de uso (y apropiación de un valor de signo y símbolo que llega hasta nuestros días), la destrucción física de los edificios que los contienen, la reconstrucción tridimensional de un modelo a escala (maqueta) y el proceso fotográfico (bidimensional) del mismo.
El espacio desnudo fotografiado se percibe como un palimpsesto, conservando las huellas de una o varias escrituras superpuestas y parcialmente borradas e invitando a una lectura de múltiples capas que dialogan entre ellas (y con otras fotografías) y que invitan a una relectura del espacio representado, su valor como símbolo y su capacidad para representar un orden socio-económico, cultural y político determinado.

 

Emilio Pemjean : Nace en 1971 en Chile. Arquitecto por la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid.
En su trabajo como Arquitecto ha sido premiado en numerosos concursos de arquitectura, su obra expuesta, publicada en libros y revistas y recibido distintos premios como: Toulouse Photo Contest,“AL Betrayal” EFTI Madrid, “Concurso de Fotografía FNAC” Madrid, etc. Llevó a cabo talleres con artistas célebres como Chema Madoz, Ciuco Gutiérrez, Manuel Rufo, Jesús Micó, etc.

 

Medidas: W 120 x H 120 cm

IVA no incluido

Localización: An der Elbe 33, Dresde , Alemania. Destruido. (Kaspar David Friedrich en su estudio, 1811). Impresión digital inyección de tintas pigmentadas minerales, papel algodón Hahnemühle Photo rag, dibond, marco y cristal. Edición 5+2 P.A.

Emilio Pemjean : Nace en 1971 en Chile. Arquitecto por la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid.
En su trabajo como Arquitecto ha sido premiado en numerosos concursos de arquitectura, su obra expuesta, publicada en libros y revistas y recibido distintos premios como: Toulouse Photo Contest,“AL Betrayal” EFTI Madrid, “Concurso de Fotografía FNAC” Madrid, etc. Llevó a cabo talleres con artistas célebres como Chema Madoz, Ciuco Gutiérrez, Manuel Rufo, Jesús Micó, etc.

Medidas: W 120 x H 120 cm

IVA no incluido

«Paisajes del futuro nº 16»

Año 2011

Rosa Muñoz

Rosa Muñoz es una destacada artista española y crucial representante de la fotografía de la puesta en escena (o fotografía construida) que se hace en nuestro país. Toda su dilatada carrera la ha ejercido desde Madrid, su ciudad de nacimiento y de residencia. Tiene una larga trayectoria de exposiciones tanto colectivas como individuales ya sean presentadas a nivel nacional o internacional.

De entre las muchas exposiciones individuales que desde 1996 ha presentado de su obra cabría destacar las realizadas en la sala del Canal de Isabel II (año 2012), una muestra retrospectiva y muy detallada de toda su trayectoria (producida por la Comunidad de Madrid),en el Centro Tomas y Valiente de Fuenlabrada ­Madrid- (CEART, año 2012), en el Museo de Arte Contemporáneo de Gas Natural Fenosa en A Coruña (MACUF, 2010) y en múltiples galerías privadas tanto nacionales como internacionales como Yvonamor Palix (París), Alarcón Criado (Sevilla), Bacelos (Vigo), Antonio de Barnola,  Spectrum (Zaragoza), Claude Samuel (París). .

La obra de Rosa Muñoz se encuentra en innumerables colecciones artísticas tanto privadas como públicas. De entre estas últimas se pueden destacar las del Museo de Arte Contemporaneo Gas Natural Fenosa (MACUF), Centre Nacional d`Art Georges Pompidou (París), Comunidad de Madrid, Colección Estampa y el Museo Municipal Cuartel del Conde Duque de Madrid. Así mismo,sus obras pertenecen a colecciones de gran prestigio como las de Pilar Citoler, CEART y Canal De Isabel II.

W 148 x D 5 x H 208

IVA no incluido

 

“Amarillo” Serie color of emotions. 2013

Impresión fotográfica con plexiglas y dibond.

Edición 3 ejemplares y una P/A 1/3

Mónica Sánchez-Robles es artista multidisciplinar que actualmente residente en Madrid, aunque ha vivido años en Francia e Italia. Es licenciada en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid, en BBAA de Granada, realiza los estudios de doctorado, continúa su formación de fotografía digital en la Escuela de Fotografía EFTI, de Madrid, y realizó su posgrado en Parsons Paris School of Design en París. Ha expuesto de manera individual en galerías de España y Francia. Además, ha expuesto de manera colectiva en diversas exposiciones y ferias de Francia, España, Miami, Londres y Suiza.
Medidas: W 180 x H 120 cm

IVA no incluido

 

«Urban Paris V» Paris 2008

Enmarcado madera con margen blanco

Edición 5 ejemplares y una P/A 2/5

Mónica Sánchez-Robles es artista multidisciplinar que actualmente residente en Madrid, aunque ha vivido años en Francia e Italia. Es licenciada en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid, en BBAA de Granada, realiza los estudios de doctorado, continúa su formación de fotografía digital en la Escuela de Fotografía EFTI, de Madrid, y realizó su posgrado en Parsons Paris School of Design en París. Ha expuesto de manera individual en galerías de España y Francia. Además, ha expuesto de manera colectiva en diversas exposiciones y ferias de Francia, España, Miami, Londres y Suiza.

Medidas: W 113,5 x H 159 cm

IVA no incluido

«Estados de un cuerpo VIII»,  2019.

Acrílico sobre lino.

Jorge Cabieses

 

Medidas: W 150 x H 200

 

Jorge Cabieses, Lima, Perú, 1971.

Estudió Bellas Artes en la Escuela Corriente Alterna de Lima.

Su obra de carácter geométrico y espacial hace referencia a elementos y colores extraídos de la cultura popular peruana. A partir de planos, líneas y campos de color construye una obra pictórica que cuestiona la mirada del espectador y la lleva hacia nuevos significados donde la imagen, a veces oculta por la propia geometría, se ve proyectada hacia otras realidades. Cabieses propicia nuevos espacios de reflexión para la pintura donde confrontarse con cánones ligados tradicionalmente a la construcción de la imagen en Latino América como la obsesión por la narración. En su obra, el artista, propone la alternativa de una tensión constructiva y espacial donde la pintura sale de sus propios límites para apropiarse del espacio. La obra de Jorge Cabieses se desarrolla en una variedad de soportes como el lienzo, la madera, imágenes litográficas de época y papel, en todos ellos el artista nos propone una nueva manera de mirar la pintura.

Jorge Cabieses ha sido seleccionado en 2012 y 2014 para el Programa de Becas y Comisiones de la Fundación Cisneros (CIFO) para artistas emergentes. Su obra se ha expuesto en el Museo de Lima (MALI); en la Casa de América de Madrid y en el Museo de la Nación de Lima. Además ha sido seleccionado por la curadora Cecilia Fajardo Hill para la Colección de Arte Latinoamericano Sagayo & Pardon (2014), así como para la muestra Ojo Latino Miradas de un continente de la Colección Luciano Benetton (2009), presentada en el Museo de Arte Contemporáneo de Santiago de Chile. Obras de su autoría se encuentran en prestigiosas colecciones de arte como la Cisneros Fontanals Art Foundation (CIFO), Eduardo Hochschild, Tanya Capriles y Luciano Benetton.

EXPOSICIONES INDIVIDUALES (SELECCIÓN)

2019        Estados de un cuerpo. Galería Fernando Pradilla. Madrid.

2017        Sistemas / Soportes Galeria Lucia de la puente, Lima, Perú.

Anulaciones Simbólicas Galeria el Museo Bogotá, Colombia.

Relaciones resonantes, Galeria Dotfiftyone Miami, USA.

2015        Fruto Prohibido, Galería El Museo, Bogotá. Colombia.

S/T . Galería GBGARTS . Caracas Venezuela.

2013        Ignoto, Galería Lucía de la Puente, Lima,Perú.

MIRABILIA, Galería Imaginaire Alianza Francesa. Lima ,Perú

2012        Superficies, Galería Miroquesada Garland, Lima, Perú.

2011        Concreto, Galería Lucía de la Puente, Lima, Perú.

PREMIOS

2011                          Seleccionado para la Beca de la fundacion Cisneros CIFO.

2005-2002-2001      Finalista del concurso “Pasaporte para un artista”

2001-2002                Finalista concurso “Philips”

2001                          Finalista Quinto Concurso Telefónica.

 

 

 

 

 

IVA no incluido

Díptico Noviembre I – Noviembre II, 1998

Litografía

Ed. 37/75  67/75

Luis Feito (Madrid,1929)

 

Medidas: W 83 x H 101

 

Luis Feito López nace en Madrid el 31 de octubre de 1929 en el seno de una humilde familia de carniceros. Tuvo una dura infancia debido a la Guerra Civil y a los duros años en el Madrid de la posguerra.

Desde niño había mostrado una afición por el dibujo y pintaba regularmente acuarelas. Sus primeras lecciones fueron con Manuel Mampaso, pintor que se convertiría en ilustrador del periódico ABC. Tales fueron los progresos en su taller que le animó preparar la prueba de ingreso a la Academia de Bellas Artes en el año 1949 matriculándose en la Escuela de Artes y Oficios.

Realiza su primera exposición en la Galería Buchholz, quizá el centro artístico más moderno del Madrid de los años 50, cuando ni siquiera había terminado el último curso de la Academia, ya que pretendía solicitar una beca que ofertaba el Instituto Francés de Madrid para viajar a París y necesitaba haber celebrado al menos una exposición.

En 1954 finaliza sus estudios y ejerce de profesor de dibujo en la misma Academia de San Fernando. Realiza su segunda exposición en la recién inaugurada Galería Fernando Fe de Madrid, donde expone únicamente obra no figurativa.

En 1955 abandona la docencia y se traslada a París gracias a una beca del gobierno francés, una bolsa de viaje otorgada por el Departamento de Cultura de la Delegación Nacional y unos ahorros conseguidos con la elaboración de unos murales en el Hotel Washington de Madrid.

Allí entra en contacto con otros artistas de vanguardia y conoce las novedades que se están desarrollando fuera del ambiente opresor de la España franquista. Su obra de estos años está muy influida por la pintura matérica y por el automatismo.

Ese mismo año realiza una exposición en la Galería Arnaud de París y vende algunas obras que le permiten seguir adelante. Participa en la I Bienal del Mediterráneo celebrada en Alejandría, donde obtiene el tercer premio, que será su primer gran éxito internacional.

Es seleccionado para participar en la IV Bienal de Sao Paulo en el año 1957 y al año siguiente en la XXIX Bienal de Venecia, con un rotundo éxito de todos los pintores españoles, que les llevaron a exponer en el año 1960 en el MoMA y en el Museo Guggenheim de Nueva York.

En 1962 introduce el color rojo y estructuras circulares, que serán el primer paso para el nuevo lenguaje abstracto que desarrollará en la década de los 70. Su obra sufre una clara reducción formal, tendente a la geometría, con composiciones sencillas y aplicación del color en planos. Se advierte una cierta influencia oriental y sobre todo del arte japonés.

En 1981 se traslada por dos años a Montreal y después se establece en Nueva York hasta la década de los 90. Desde entonces alterna estancias entre España y Estados Unidos.

En 1985, el Estado Francés le nombra Oficial de la Orden de las Artes y las Letras de Francia y en 1993 Comendador de la misma Orden.

Sus obras están expuestas en los mejores museos nacionales e internacionales y ha recibido premios tan importantes como la Medalla de Oro al Mérito de las Bellas Artes y su incorporación como académico a la Academia de Bellas Artes de San Fernando en Madrid.

 

 

 

IVA no incluido

Lady of Shalott, serie »Old Father Thames»

Año 2018

Julia Fullerton-Batten

 

El mundo de Julia Fullerton-Batten (Bremen, Alemania, 1970) en la serie «Teenage Stories» es el de Alicia en el País de las Maravillas. El personaje de Alicia toma diferentes caras de sus personajes como si estuviéramos en un baile de máscaras. Unas veces Alicia camina sonámbula, otras contempla su reflejo como Narciso y otras parece golpeada o en plena ensoñación. Esta aproximación psicológica a las niñas en transición hacia la adolescencia no deja de ser extrañamente perturbadora, plena de interrogantes y de autenticidad. El juego de sus personajes no es sino un artificio que disfraza un momento decisivo en sus vidas: la edad de la inocencia interrumpida. Esta idea de transición es desarrollada en el proyecto «In Between» con una extraordinaria visualización de un tiempo en suspensión.

Julia nos ofrece con generosidad y sinceridad una obra autobiográfica desplegando una maestría técnica ilimitada y una puesta en escena calculada al milímetro que no nos resta un ápice de frescura y espontaneidad. En sus últimos trabajos busca un contexto y unos protagonistas alternativos que interroga con idéntica habilidad, como en las series «Unadorned», «Feral Children» y «Old Father Thames».

W 101 x D 0,5 x H 76

IVA no incluido

«Estratos resinados»

Lienzo cambas con superficie resinada

Año 2014

Rosa Muñoz

 

Rosa Muñoz es una destacada artista española y crucial representante de la fotografía de la puesta en escena (o fotografía construida) que se hace en nuestro país. Toda su dilatada carrera la ha ejercido desde Madrid, su ciudad de nacimiento y de residencia. Tiene una larga trayectoria de exposiciones tanto colectivas como individuales ya sean presentadas a nivel nacional o internacional.

De entre las muchas exposiciones individuales que desde 1996 ha presentado de su obra cabría destacar las realizadas en la sala del Canal de Isabel II (año 2012), una muestra retrospectiva y muy detallada de toda su trayectoria (producida por la Comunidad de Madrid),en el Centro Tomas y Valiente de Fuenlabrada ­Madrid- (CEART, año 2012), en el Museo de Arte Contemporáneo de Gas Natural Fenosa en A Coruña (MACUF, 2010) y en múltiples galerías privadas tanto nacionales como internacionales como Yvonamor Palix (París), Alarcón Criado (Sevilla), Bacelos (Vigo), Antonio de Barnola,  Spectrum (Zaragoza), Claude Samuel (París). .

La obra de Rosa Muñoz se encuentra en innumerables colecciones artísticas tanto privadas como públicas. De entre estas últimas se pueden destacar las del Museo de Arte Contemporaneo Gas Natural Fenosa (MACUF), Centre Nacional d`Art Georges Pompidou (París), Comunidad de Madrid, Colección Estampa y el Museo Municipal Cuartel del Conde Duque de Madrid. Así mismo,sus obras pertenecen a colecciones de gran prestigio como las de Pilar Citoler, CEART y Canal De Isabel II.

W 183 x D 11 x H 112

IVA no incluido

 

Obra de Juan Carlos Martínez Jiménez «Gibbiflora» Mexico 2008

C-Print sobre papel RC, foam y marco de madera

Edición 1/5

Medidas: W 159 x D 219 cm

IVA no incluido

 

Obra SPQR(ca)VITA realizada en bolígrafo y rotulador sobre papel, 2016.

 

Juan Francisco Casas Ruiz 1976: Ha realizado numerosas exposiciones individuales destacando (He)artbroken (Jonathan Levine Gallery), Saturdaynigthbathroom, Bare(ly)there y Foreignaffairs, (A)utopic (Galería Fernando Pradilla, Madrid, 2005, 2008, 2010, 2014 respectivamente), After(h)ours (Galería El Museo, Bogotá, Colombia 2011), MyLovingNation (Galería Ferrán Cano, Palma de Mallorca, 2007), Sacrebleu! (Galería Sandunga, Granada, 2006), Mis(s)behave (Sala Rivadavia, Diputación provincial de Cádiz, 2006) y participado en las ferias de arte más importante del mundo, así como en casi todas las ediciones de ARCO desde el año 2002. Exposiciones en Nueva York, Miami o Chicago a Seúl, Singapur, Londres, París, México o Basilea, entre muchas otras, han contado con su obra y ha recibido numerosos premios y becas nacionales e internacionales.

Medidas:  W 300 x H 225 cm

IVA no incluido

 

«Sin título» 2002.

Acrílico sobre lienzo.

Juan Sotomayor (1959).   Miembro fundador del zaragozano Grupo Zotall.
En su evolución, sin tajantes rupturas, mantiene las bandas y los verticales hilos con ramificaciones que inundan el espacio, pero ahora suprimiendo las manchas y los ondulantes troncos, para afianzarse en tonalidades más oscuras que potencian el tono drástico. Queda de manifiesto que hasta 1992 el campo intuitivo se apodera del racional, hasta el punto de que suprime toda referencia geométrica. A partir de aquí mantiene unas bandas paralelas a la base, más o menos anchas, con fondos tendentes a la monocromía y cierta insinuación espacial. Bandas y fondos alterados por la verticalidad de estrechas y temblorosas líneas que generan un entramado capaz de alterar su entorno. Hondura y belleza.

Medidas:  W 200 x H 200 cm

IVA no incluido

» Phaistos», 2010

Pigmento, resina y barniz sobre tabla.
Darío Urzay: Nace en Bilbao el 13 de diciembre de 1958.
Estudia Bellas Artes en la Universidad del País Vasco. . En 1983 obtiene el premio Gure Artea, en el 2005 su trabajo es reconocido con el Premio Nacional de Arte Gráfico y el Excellence Work Award en la Bienal de Beijing. Cabría destacar el Museo Guggenheim Bilbao, el Centro Nacional Museo Reina Sofía en Madrid, La Deutsche Bank Collection de Londres, el Museo Patio Herreriano de Valladolid o el museo ARTIUM entre otras.
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Medidas: W 150 x D 340 cm