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«Sin título». 1994

Serigrafía sobre papel Velin Cube Archés

Firmada a Lápiz

Numerada VII/XV

Luis Gordillo – 1934
Pintor español nacido en Sevilla. Contemporáneo de los informalistas españoles de la década de 1950. Se podrían destacar las siguientes exposiciones, «Luis Gordillo 1965/2006»,en el Museo de arte de Zapotán en México y la retrospectiva de su obra pictórica y fotográfica que le dedicó en 2007 el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en Madrid. En 2010 fue el encargado de diseñar el cartel de la temporada taurina en la Real Maestranza de Caballería de Sevilla. En 1981 recibió el Premio Nacional de Artes Plásticas, en 1991 el Premio de Andalucía de Artes Plásticas, en 1996 la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes del Ministerio de Cultura, en 2004 la Medalla de oro del Círculo de Bellas Artes de Madrid.

Medidas:  W 121 x H 80,5 cm

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GAA21 – 12 / BS 0147

Técnica mixta sobre lienzo, Bosco Sodi 2012.

Bosco Sodi (n. 1970, Ciudad de México) es conocido por sus pinturas a gran escala, ricamente texturizadas y de colores vivos. Sodi ha descubierto un poder emotivo dentro de la crudeza esencial de los materiales que utiliza para ejecutar sus pinturas. Centrándose en la exploración material, el gesto creativo y la conexión espiritual entre el artista y su obra, Sodi busca trascender las barreras conceptuales. Sodi deja muchas de sus pinturas sin título, con la intención de eliminar cualquier predisposición o conexión más allá de la existencia inmediata de la obra. La obra en sí se convierte en un recuerdo y una reliquia simbólica de la conversación del artista con la materia prima que llevó a la pintura a la creación. Las influencias de Sodi van desde l’art informel, desde artistas como Antoni Tàpies y Jean Dubuffet, hasta maestros coloristas como Willem de Kooning, Mark Rothko,

Medidas: W 186 x H 186 cm

IVA no incluido

S/T Junio 96
Óleo

Roberto Ruiz Ortega, heredero del expresionismo norteamericano, con amplias pinceladas verticales crea campos cromáticos que se superponen por capas constructivistas con un lenguaje propio basado en su universo plástico personal.
Ha sido galardonado con la adquisición de su obra para la Generación 2002 de Premios Caja Madrid. Ha participado en multitud de exposiciones individuales y su obra se encuentra presente en: Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Centro Gallego de Arte Contemporáneo, Fundación Coca Cola, Museo Artium de Vitoria, Colección Caja Madrid, Colección Fundacion BBK, Diputación Foral de Vizcaya, Colección Banco Central Hispano, o el Banco Internacional de Inversiones de Luxemburgo entre otras.

Medidas: W 200 x D 200 cm

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«Sin título» 2002.

Acrílico sobre lienzo.

Juan Sotomayor (1959).   Miembro fundador del zaragozano Grupo Zotall.
En su evolución, sin tajantes rupturas, mantiene las bandas y los verticales hilos con ramificaciones que inundan el espacio, pero ahora suprimiendo las manchas y los ondulantes troncos, para afianzarse en tonalidades más oscuras que potencian el tono drástico. Queda de manifiesto que hasta 1992 el campo intuitivo se apodera del racional, hasta el punto de que suprime toda referencia geométrica. A partir de aquí mantiene unas bandas paralelas a la base, más o menos anchas, con fondos tendentes a la monocromía y cierta insinuación espacial. Bandas y fondos alterados por la verticalidad de estrechas y temblorosas líneas que generan un entramado capaz de alterar su entorno. Hondura y belleza.

Medidas:  W 200 x H 200 cm

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Cap
2008
Técnica mixta sobre aluminio

Jason Martin: Nació en Jersey, en las Islas del Canal, en 1970 y vive y trabaja entre Londres y Portugal. Tiene una licenciatura de Orfebres, Londres (1993). Las exposiciones individuales incluyen Thaddaeus Ropac, Francia (2018); Schauwerk Sindelfingen, Sindelfingen, Alemania (2017); Museo gegenstandsfreier Kunst, Otterndorf, Alemania (2016); Colección Peggy Guggenheim, Venecia, Italia (2009);Es Baluard Museu d’Art Modern i Contemporary de Palma, Mallorca, España (2008); Kunstverein Kreis Gŭtersloh, Gutersloh, Alemania (2007); y Centro de Arte Contemporáneo de Málaga, España (2005).
Medidas: W 195 x D 195 cm

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Composición cinética «Zebra 17001» de Josecho López Llorens realizada en acrílico sobre lienzo. Edición única 2017.

Josecho López: artista y diseñador ligado al movimiento Minimalista y al Arte Geométrico. Sus obras abarcan desde el dibujo y la pintura, hasta la escultura, desarrollando estructuras en tres dimensiones, de formas simples, definidas con precisión.Sus trabajos evolucionan desde un cuadrado, un círculo o una simple línea recta, buscando un armonioso conjunto final en el que toma mucha importancia la simetría de los espacios vacíos, así como el equilibrio del peso visual de la obra en su conjunto.

Medidas: W 123 x H 123

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Andy Dandy (TEN), 2007

Tintas pigmentadas sobre papel de archivo fotográfico. Edición 5/5.

 

En estos dípticos del tándem The Hilton Brothers se combinan los retratos “Altered Image” realizados en una colaboraciön entre Makos y Andy Warhol y las flores de la serie “Bloom” de Solberg. Makos creó esta serie de retratos en los que utilizaba elementos cotidianos para crear y alterar la individualidad. Solberg utilizó la luz y el aislamiento para rendir homenaje a la belleza real de las flores, no su belleza superficial. Como homenaje a la pasión por las flores de Warhol ambos deciden crear estos dípticos tan bellos, pero a su vez profundos, un canto conceptual dedicado a la belleza sincera.

 

The Hilton Brothers (Christopher Makos y Paul Solberg)Pareja de fotógrafos neoyorquinos cuyo trabajo ha sido exhibido internacionalmente en museos y galerías, incluyendo La Casa Encendida (Madrid), Galerie Catherine Houard (París), Galerie Sho Contemporary Art (Tokio), Christopher Henry Gallery (Nueva York), Karl Hutter Fine Art (LA), y NSU Art Museum.

Medidas:  W 165 x H 110 cm

IVA no incluido

 

Andy Dandy (FOUR), 2007. The Hilton Brothers (Christopher Makos y Paul Solberg)

Tintas pigmentadas sobre papel de archivo fotográfico. Edición 5/5.

En estos diptlcos del tándem The Hilton Brothers se combinan los retratos “Altered Image” realizados en una colaboraciön entre Makos y Andy Warhol y las flores de la serie “Bloom” de Solberg. Makos creó esta serie de retratos en los que utilizaba elementos cotidianos para crear y alterar la individualidad. Solberg utilizó la luz y el aislamiento para rendir homenaje a la belleza real de las flores, no su belleza superficial. Como homenaje a la pasión por las flores de Warhol ambos deciden crear estos dípticos tan bellos, pero a su vez profundos, un canto conceptual dedicado a la belleza sincera.

 

The Hilton Brothers (Christopher Makos y Paul Solberg)Estos narradores visuales exploran la libertad y los parámetros de la colaboración, un lenguaje compartido que se habla a través de sus imágenes y collage. Sus trabajos más notables se encuentran en la serie, «Speed» (2006), «Andy Dandy» (2007), y «Narrative» (2009) y «Conscience» (2007). Comparten numerosas publicaciones, como Mistaken Identity (2009) y su obra, Tyrants + Lederhosen (2011). Su trabajo ha sido exhibido internacionalmente en museos y galerías, incluyendo La Casa Encendida (Madrid), Galerie Catherine Houard (París), Galerie Sho Contemporary Art (Tokio), Christopher Henry Gallery (Nueva York), Karl Hutter Fine Art (LA), y NSU Art Museum, y más recientemente el Museo Macedonio de Arte Contemporáneo.

Medidas: W 165 x H 110  cm

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«Nos» , serie nudos, 2019.

Fotografía sobre pan de oro.

Paula Anta

 

Paula Anta Nació en Madrid en 1977, se licenció y doctoró en Bellas Artes con mención internacional. ​Su formación académica e investigadora la ha desarrollado, además de en España, en Frankfurt (beca creación artística Atelierfrankfurt) y Colonia (Alemania), Colegio de España en París (Francia)3 y Real Academia de España en Roma (Italia). También ha realizado proyectos en Senegal, Líbano, Siria, Egipto, Turquía, Marruecos, así como en India y Corea del Sur o en países latinoamericanos como Perú (Proyecto fotográfico Pillpa 10​), Ecuador, Brasil y Venezuela, de donde han surgido algunas de sus series.

 

Nudos: Topologías de la memoria

El mundo ha devenido caos. La naturaleza que lo representa continúa siendo una imagen del mundo, pero accede a una unidad más elevada. El caos, cuando lo escenificamos en nuestra imaginación, cuando lo rescatamos de nuestra memoria anterior, representa una serie de formas muy diversas, desde su extensión superficial ramificada en todos los sentidos hasta sus concreciones en condensaciones o cúmulos (bulbos, tubérculos, marañas). Una aglomeración de líneas que pueden aparecer embrolladas entre sí o suspendidas entre diversos puntos en un espacio. Un enredo de líneas que no tienen cuerpo, color, textura ni ninguna otra cualidad tangible: su naturaleza es abstracta, conceptual, racional. Estas líneas no dejan de percibirse como un movimiento y un desarrollo. Un movimiento que en apariencia no se siente, no se sabe a dónde va, no se percibe a qué ley responde. Parece un movimiento que se guía por una especie de libertad de uniones e intersecciones, por una transformación invisible y continua.

Pero los cúmulos vegetales se organizan siguiendo un orden que obedece a leyes universales. Las marañas de ramificaciones no están olvidadas como partes de una ruina. Los rizomas no se extienden únicamente por una condición de supervivencia, de subsistir en un terreno. Los nudos que se derivan por estas acumulaciones de ramas no se instalan en una superficie de forma caótica. Toda esta vorágine vegetal corresponde a un orden universal, aunque su apariencia sea confusa y nos ocasione desconcierto.

Medidas: W 126 x D 5 x  H 186

IVA no incluido

 

Fotografía de Paula Anta “Busano 02” de la serie “Paraísos Artificiales”. 2008.

Paraísos Artificiales pretende ser un paraíso propio y muy concreto, en un lugar muy determinado. El paraíso es un “cercado” creado por los hombres. Es lugar de perfección en la naturaleza, de conciliación con nuestro origen, de serenidad hacia lo cercano. Los paraísos están ahí, nos esperan, nos los ganamos en ocasiones, nos expulsan de ellos para recriminarnos (a nosotros mismos) con su existencia

Paraísos Artificiales está realizado en las tres ciudades más importantes de Corea del sur: Seúl, Busán y Daegu.

Paula Anta Nació en Madrid en 1977, se licenció y doctoró en Bellas Artes con mención internacional. ​Su formación académica e investigadora la ha desarrollado, además de en España, en Frankfurt (beca creación artística Atelierfrankfurt) y Colonia (Alemania), Colegio de España en París (Francia)3 y Real Academia de España en Roma (Italia). También ha realizado proyectos en Senegal, Líbano, Siria, Egipto, Turquía, Marruecos, así como en India y Corea del Sur o en países latinoamericanos como Perú (Proyecto fotográfico Pillpa 10​), Ecuador, Brasil y Venezuela, de donde han surgido algunas de sus series.

Medidas:  W 158 cm x H 188 com

IVA no incluido

 

Fotografía de Paula Anta «Busano 03» de la serie «Paraísos Artificiales». 2008.

Paraísos Artificiales pretende ser un paraíso propio y muy concreto, en un lugar muy determinado. El paraíso es un «cercado» creado por los hombres. Es lugar de perfección en la naturaleza, de conciliación con nuestro origen, de serenidad hacia lo cercano. Los paraísos están ahí, nos esperan, nos los ganamos en ocasiones, nos expulsan de ellos para recriminarnos (a nosotros mismos) con su existencia

Paraísos Artificiales está realizado en las tres ciudades más importantes de Corea del sur: Seúl, Busán y Daegu.

Paula Anta Nació en Madrid en 1977, se licenció y doctoró en Bellas Artes con mención internacional. ​Su formación académica e investigadora la ha desarrollado, además de en España, en Frankfurt (beca creación artística Atelierfrankfurt) y Colonia (Alemania), Colegio de España en París (Francia)3 y Real Academia de España en Roma (Italia). También ha realizado proyectos en Senegal, Líbano, Siria, Egipto, Turquía, Marruecos, así como en India y Corea del Sur o en países latinoamericanos como Perú (Proyecto fotográfico Pillpa 10​), Ecuador, Brasil y Venezuela, de donde han surgido algunas de sus series.

Medidas: W 158 x H 188 cm

IVA no incluido

 

Fotografía de Paula Anta “Seul 01” de la serie “Paraísos Artificiales”. 2008.

Paraísos Artificiales pretende ser un paraíso propio y muy concreto, en un lugar muy determinado. El paraíso es un «cercado» creado por los hombres. Es lugar de perfección en la naturaleza, de conciliación con nuestro origen, de serenidad hacia lo cercano. Los paraísos están ahí, nos esperan, nos los ganamos en ocasiones, nos expulsan de ellos para recriminarnos (a nosotros mismos) con su existencia

Paraísos Artificiales está realizado en las tres ciudades más importantes de Corea del sur: Seúl, Busán y Daegu.

 

Paula Anta Nació en Madrid en 1977, se licenció y doctoró en Bellas Artes con mención internacional. ​Su formación académica e investigadora la ha desarrollado, además de en España, en Frankfurt (beca creación artística Atelierfrankfurt) y Colonia (Alemania), Colegio de España en París (Francia)3 y Real Academia de España en Roma (Italia). También ha realizado proyectos en Senegal, Líbano, Siria, Egipto, Turquía, Marruecos, así como en India y Corea del Sur o en países latinoamericanos como Perú (Proyecto fotográfico Pillpa 10​), Ecuador, Brasil y Venezuela, de donde han surgido algunas de sus series.

Medidas:  W 158 x H 188 cm

 

IVA no incluido

Fotografía en color cian de la serie, “Flores de color”, técnica con impresión sobre papel fotográfico.

Mónica Sánchez-Robles es artista multidisciplinar que actualmente residente en Madrid, aunque ha vivido años en Francia e Italia. Es licenciada en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid, en BBAA de Granada, realiza los estudios de doctorado, continúa su formación de fotografía digital en la Escuela de Fotografía EFTI, de Madrid, y realizó su posgrado en Parsons Paris School of Design en París. Ha expuesto de manera individual en galerías de España y Francia. Además, ha expuesto de manera colectiva en diversas exposiciones y ferias de Francia, España, Miami, Londres y Suiza.
Medidas: W 120 x H 160  cm

IVA no incluido

Fotografía en color magenta de la serie, “Flores de color”, técnica con impresión sobre papel fotográfico.

Mónica Sánchez-Robles es artista multidisciplinar que actualmente residente en Madrid, aunque ha vivido años en Francia e Italia. Es licenciada en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid, en BBAA de Granada, realiza los estudios de doctorado, continúa su formación de fotografía digital en la Escuela de Fotografía EFTI, de Madrid, y realizó su posgrado en Parsons Paris School of Design en París. Ha expuesto de manera individual en galerías de España y Francia. Además, ha expuesto de manera colectiva en diversas exposiciones y ferias de Francia, España, Miami, Londres y Suiza.
Medidas: W 120 x H 160   cm

IVA no incluido

Localización: An der Elbe 33, Dresde , Alemania. Destruido. (Kaspar David Friedrich en su estudio, 1811). Impresión digital inyección de tintas pigmentadas minerales, papel algodón Hahnemühle Photo rag, dibond, marco y cristal. Edición 5+2 P.A.

Emilio Pemjean : Nace en 1971 en Chile. Arquitecto por la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid.
En su trabajo como Arquitecto ha sido premiado en numerosos concursos de arquitectura, su obra expuesta, publicada en libros y revistas y recibido distintos premios como: Toulouse Photo Contest,“AL Betrayal” EFTI Madrid, “Concurso de Fotografía FNAC” Madrid, etc. Llevó a cabo talleres con artistas célebres como Chema Madoz, Ciuco Gutiérrez, Manuel Rufo, Jesús Micó, etc.

Medidas: W 120 x H 120 cm

IVA no incluido

Vivienda para un nuevo hombre (Immeubles-Villa. Le Corbusier). Sin localización específica, no construido. 1922-29
Impresión digital inyección de tintas pigmentadas minerales, papel algodón
Hahnemühle Photo rag, marco y cristal. Edición 5+2P.A

Emilio Pemjean : Nace en 1971 en Chile. Arquitecto por la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid.
En su trabajo como Arquitecto ha sido premiado en numerosos concursos de arquitectura, su obra expuesta, publicada en libros y revistas y recibido distintos premios como: Toulouse Photo Contest,“AL Betrayal” EFTI Madrid, “Concurso de Fotografía FNAC” Madrid, etc. Llevó a cabo talleres con artistas célebres como Chema Madoz, Ciuco Gutiérrez, Manuel Rufo, Jesús Micó, etc.

Medidas: W 140 x H 140 cm

IVA no incluido

 

Vivienda para un nuevo hombre (Immeubles-Villa. Le Corbusier). Sin localización específica, no construido. 1922-29

Impresión digital inyección de tintas pigmentadas minerales, papel algodón Hahnemühle Photo rag, marco y cristal. Edición 5+2P.A.

Emilio Pemjean : Nace en 1971 en Chile. Arquitecto por la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid.
En su trabajo como Arquitecto ha sido premiado en numerosos concursos de arquitectura, su obra expuesta, publicada en libros y revistas y recibido distintos premios como: Toulouse Photo Contest,“AL Betrayal” EFTI Madrid, “Concurso de Fotografía FNAC” Madrid, etc. Llevó a cabo talleres con artistas célebres como Chema Madoz, Ciuco Gutiérrez, Manuel Rufo, Jesús Micó, etc.

Medidas: W 140 x H 140 cm

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«PALIMPSESTO III» EMILIO PEMJEAN 2013

Localización: Monasterio de Santa Isabel, Calle Santa Isabel, Madrid, Alarife Juan de Mora. Aloja la fábrica de tapices de Santa Isabel y luego es demolido ( Velázquez, Las Hilanderas )
Impresión digital inyección de tintas de pigmentos minerales, papel algodón Hahnemühle.
Photo rag, dibond, cristal y marco.
Edición 5+2 P.A.

El proyecto hace presente un proceso de transformación temporal (asociado a una transformación en su percepción y representación) que se inicia con la construcción real del espacio, la utilización del mismo mediante la disposición intencionada del “atrezzo” necesario para la representación pictórica, su posterior desocupación y pérdida de valor de uso (y apropiación de un valor de signo y símbolo que llega hasta nuestros días), la destrucción física de los edificios que los contienen, la reconstrucción tridimensional de un modelo a escala (maqueta) y el proceso fotográfico (bidimensional) del mismo.
El espacio desnudo fotografiado se percibe como un palimpsesto, conservando las huellas de una o varias escrituras superpuestas y parcialmente borradas e invitando a una lectura de múltiples capas que dialogan entre ellas (y con otras fotografías) y que invitan a una relectura del espacio representado, su valor como símbolo y su capacidad para representar un orden socio-económico, cultural y político determinado.

 

Emilio Pemjean : Nace en 1971 en Chile. Arquitecto por la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid.
En su trabajo como Arquitecto ha sido premiado en numerosos concursos de arquitectura, su obra expuesta, publicada en libros y revistas y recibido distintos premios como: Toulouse Photo Contest,“AL Betrayal” EFTI Madrid, “Concurso de Fotografía FNAC” Madrid, etc. Llevó a cabo talleres con artistas célebres como Chema Madoz, Ciuco Gutiérrez, Manuel Rufo, Jesús Micó, etc.

 

Medidas: W 120 x H 120 cm

SKU: LA00200171

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Díptico Noviembre I – Noviembre II, 1998

Litografía

Ed. 37/75  67/75

Luis Feito (Madrid,1929)

 

Medidas: W 83 x H 101

 

Luis Feito López nace en Madrid el 31 de octubre de 1929 en el seno de una humilde familia de carniceros. Tuvo una dura infancia debido a la Guerra Civil y a los duros años en el Madrid de la posguerra.

Desde niño había mostrado una afición por el dibujo y pintaba regularmente acuarelas. Sus primeras lecciones fueron con Manuel Mampaso, pintor que se convertiría en ilustrador del periódico ABC. Tales fueron los progresos en su taller que le animó preparar la prueba de ingreso a la Academia de Bellas Artes en el año 1949 matriculándose en la Escuela de Artes y Oficios.

Realiza su primera exposición en la Galería Buchholz, quizá el centro artístico más moderno del Madrid de los años 50, cuando ni siquiera había terminado el último curso de la Academia, ya que pretendía solicitar una beca que ofertaba el Instituto Francés de Madrid para viajar a París y necesitaba haber celebrado al menos una exposición.

En 1954 finaliza sus estudios y ejerce de profesor de dibujo en la misma Academia de San Fernando. Realiza su segunda exposición en la recién inaugurada Galería Fernando Fe de Madrid, donde expone únicamente obra no figurativa.

En 1955 abandona la docencia y se traslada a París gracias a una beca del gobierno francés, una bolsa de viaje otorgada por el Departamento de Cultura de la Delegación Nacional y unos ahorros conseguidos con la elaboración de unos murales en el Hotel Washington de Madrid.

Allí entra en contacto con otros artistas de vanguardia y conoce las novedades que se están desarrollando fuera del ambiente opresor de la España franquista. Su obra de estos años está muy influida por la pintura matérica y por el automatismo.

Ese mismo año realiza una exposición en la Galería Arnaud de París y vende algunas obras que le permiten seguir adelante. Participa en la I Bienal del Mediterráneo celebrada en Alejandría, donde obtiene el tercer premio, que será su primer gran éxito internacional.

Es seleccionado para participar en la IV Bienal de Sao Paulo en el año 1957 y al año siguiente en la XXIX Bienal de Venecia, con un rotundo éxito de todos los pintores españoles, que les llevaron a exponer en el año 1960 en el MoMA y en el Museo Guggenheim de Nueva York.

En 1962 introduce el color rojo y estructuras circulares, que serán el primer paso para el nuevo lenguaje abstracto que desarrollará en la década de los 70. Su obra sufre una clara reducción formal, tendente a la geometría, con composiciones sencillas y aplicación del color en planos. Se advierte una cierta influencia oriental y sobre todo del arte japonés.

En 1981 se traslada por dos años a Montreal y después se establece en Nueva York hasta la década de los 90. Desde entonces alterna estancias entre España y Estados Unidos.

En 1985, el Estado Francés le nombra Oficial de la Orden de las Artes y las Letras de Francia y en 1993 Comendador de la misma Orden.

Sus obras están expuestas en los mejores museos nacionales e internacionales y ha recibido premios tan importantes como la Medalla de Oro al Mérito de las Bellas Artes y su incorporación como académico a la Academia de Bellas Artes de San Fernando en Madrid.

 

 

 

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